omg，到底是谁给Liz做的造型啊？
难得掀起刘海，结果发型堪称死亡，整体毛躁不说，颞区蓬松得也很突兀，像是刚睡醒就来时装周了…
如此美丽的一张脸，在离谱发型的影响下硬生生像老了10岁。
后来换造型之后，整个人就和谐多了。
不过该说不说，女明星真的很适合这种奢华贵气的造型，完全老钱妈咪的级别，比起前几年一水的极简老钱风有趣了不少。
其实不止IVE，细心观察就会发现，今年看秀的女明星的造型大多都是华丽向，我们也把这种风格总结为繁荣主义。
而繁荣主义的流行，又和以精美艳丽为核心风格的印度时尚息息相关。
有关注时尚圈的朋友应该知道，这两年印度在时尚圈的影响度可不小。
英版《VOGUE》由印度模特来演绎开季封面，LV SS 2026更是直接以印度美学为主题。
· 那么，印度美学和其他风格相比，到底有什么出彩之处？
· 印度时尚的影响力又为何越来越强？
今天就来聊聊这些～
印度面孔
今年的Met Gala，印度明星有点忙。
先说Isha Ambani。
如果大家关注过印度的富豪家族，应该对Ambani这个姓氏并不陌生。
她的父亲Mukesh Ambani是印度信实工业集团的董事长，也是全球最富有的商人之一。
过去几年，Isha持续与印度设计师合作，借助这个全球曝光度极高的场合，展示印度纺织、刺绣、珠宝和传统服饰工艺。
2025年，她选择Anamika Khanna设计的黑、白、金色造型，将印度服饰传统与结构鲜明的西式剪裁结合。
整套服装据设计团队介绍，刺绣工时接近两万小时。
到了2026年，她再次穿上Gaurav Gupta的定制作品，将金线编织、手绘纹样和印度传统艺术结合在一起。
她身上的传统元素一直在变化，有时是纱丽的轮廓，有时是刺绣的技法，有时是珠宝和面料背后的工艺历史。
当然，这背后也有非常现实的资源优势。高级定制需要大量手工劳动，传统工艺的呈现需要时间、技术和资金，能够调动这些资源的人并不多。
Isha的家族背景让她有能力穿着这种作品进入这种曝光度极高的时尚场合。
但如果仅仅把她的影响力归结为财富，也会忽略另一件事：她正在持续为印度设计师提供一个国际展示窗口。
对这些设计师而言，Met Gala不只是让一件礼服被拍下来，更是让全球媒体和消费者重新认识印度服装工艺的机会。
而Bhavitha Mandava的故事，恰好是另一个方向。
2025年12月，她成为首位为香奈儿系列大秀开场的印度女性模特。那场秀在纽约一处废弃地铁站举行，香奈儿将纽约的城市空间与品牌的高级工艺传统放在一起。
Bhavitha从地铁站台走出来，身穿品牌当季服装，迅速成为时尚媒体关注的对象。
她的经历也相当特别：出生于印度海得拉巴，曾学习建筑，后来赴纽约大学攻读设计与媒体相关专业。
在纽约生活期间，她在布鲁克林的地铁站被发掘，之后进入国际模特行业。
2026年Met Gala上，她与Chanel创意总监合作的造型，延续了她刚到纽约时的日常穿衣印象。
牛仔裤式的下装、简洁的上衣，没有传统红毯礼服的夸张体量，却呼应了当晚“Fashion Is Art”的主题。
把Isha和Bhavitha放在一起，就能看到印度时尚正在国际舞台上出现的两种不同路径。
Isha通过传统工艺、文化遗产和高级定制，让印度的服装历史获得新的可见度；Bhavitha则通过模特职业和个人经历，进入全球时尚体系内部。
过去，国际时尚媒体谈到印度时，常常把它放在一个相对固定的文化框架里：纱丽、珠宝、婚礼、浓烈的色彩，以及大量精细的手工装饰。
这些元素当然构成印度时尚的重要部分，却不足以代表一个拥有庞大人口、复杂地域文化和多元现代生活的国家。
所以，印度面孔真正增加的，不只是数量，而是它们在国际时尚中可以拥有的表达方式。
那么接下来值得关注的，就是这些面孔背后的设计师，以及他们正在建立的品牌。
印度品牌
过去很长一段时间，印度在国际时尚产业中的角色其实相当矛盾。
一方面，印度拥有历史悠久、技艺复杂的纺织与刺绣传统。
另一方面，这些工艺又经常以一种不太容易被消费者看见的方式，出现在国际奢侈品牌的成衣和高级定制作品中。
欧洲时装屋可以使用印度工匠制作的刺绣、珠饰和手工面料，但最终被记住的往往是品牌创意总监的名字，而不是完成这些作品的工匠，更不是印度本土的设计体系。
这种关系甚至可以追溯到几个世纪以前。
印度印花棉布曾经风靡欧洲，欧洲消费者对来自印度的织物趋之若鹜，以至于法国在路易十四时期曾限制印度棉布的进口与销售。
后来，克什米尔披肩上的传统花纹被欧洲大量仿制，逐渐演变成今天人们熟悉的佩斯利图案。
印度的工艺早就影响了世界时尚，只不过在相当长的时间里，影响力并不等于话语权。
而现在，一批印度设计师正在尝试改变这件事。
他们不再满足于让印度工匠成为其他品牌供应链中的一环，而是开始以自己的名字建立品牌，让印度的工艺、审美和文化叙事直接面对国际消费者。
其中最具代表性的人物之一，是设计师Sabyasachi Mukherjee。
Sabyasachi Mukherjee SS 2027
2002年，Sabyasachi在印度时装周亮相时，便已经把印度传统织物和刺绣作为设计的重要组成部分。
但他真正厉害的地方，是没有把自己的品牌限制在传统印度服饰的范畴内。
Sabyasachi Mukherjee SS 2027
他的作品里可以同时出现繁复的金线刺绣、丝绒、印花棉布、珠宝和西式外套，传统纱丽可以与风衣、眼镜和大容量手袋搭配，带有历史感的装饰也可以进入现代衣橱。
你会看到非常鲜明的印度文化，却不会觉得自己只是在观看一套传统服装的复原。
Sabyasachi Mukherjee SS 2027
另一个值得关注的名字是Rahul Mishra。
如果说Sabyasachi擅长建立一个充满印度历史感的品牌宇宙，那么Rahul Mishra更像是在证明，印度传统工艺不仅可以制造华丽，还可以成为当代高级定制的创作方法。
2026年巴黎高级定制时装周上，他推出了名为「DEVI」的系列。
作品从印度寺庙中雕刻的女神、舞者与天界人物获得灵感，再通过金线刺绣、金属线装饰、晶体和管珠等工艺，让服装表面产生近似石雕的立体感。
原本属于建筑、雕塑和宗教艺术的形象，就这样被重新组织到高级定制服装之中。
Gaurav Gupta则走向了另一条道路。他的设计以雕塑感极强的廓形、扭转的结构和近乎超现实的造型著称，服装常常介于身体、建筑与艺术装置之间。
2026年10月，他在巴黎第八区开设了预约制高级定制工作室，将自己在巴黎的存在从时装周期间的短暂亮相，推进为更长期的业务布局。
Gaurav Gupta SS 2026
印度设计师开始在国际时尚之都建立固定据点，意味着他们不再只是偶尔受邀的文化代表，而是在尝试进入当地高级时装的日常商业网络。
印度时尚正在从全球产业的幕后走向台前，而真正重要的，不只是工艺终于被看见，更是创造这些工艺的设计师开始拥有自己的品牌、自己的表达方式，以及直接与全球市场对话的机会。
Gaurav Gupta SS 2026
不过，这里也留下了一个更值得讨论的问题：
如果印度工艺早已深深影响了世界时尚，为什么直到今天，印度设计师才开始更频繁地站到国际时尚舞台的中心？
要回答这个问题，我们就必须把视线从几个成功的设计师身上移开，看看整个世界时尚产业的权力结构，以及印度在其中的位置。
印度时尚
如果把时尚中心理解为最有钱的消费者、最复杂的手工艺、最受关注的设计师和最有影响力的文化资源，那么印度显然拥有越来越多的筹码。
但如果时尚中心意味着能够决定什么是奢侈、什么是潮流、什么值得被写进时尚史，那么印度距离真正改变全球格局，还有一段路要走。
比如巴黎之所以长期拥有特殊地位，不只是因为法国设计师更有创造力，而是因为这里形成了一整套成熟的时尚制度：
高级定制时装屋、时装周、买手体系、媒体、奢侈品集团，以及围绕品牌建立的历史叙事和消费文化。
印度如今正在进入这个网络，但它面对的仍然是一套长期由欧美主导的评价体系。
2026年，印度设计师Manish Malhotra登上巴黎高级定制时装周官方日程，与Rahul Mishra、Gaurav Gupta和Vaishali S等设计师一道，进一步提高了印度设计在国际时装制度中的能见度。
这当然是重要进展，但也说明巴黎仍然是一个具有象征意义的认证场所。印度设计师只有进入这里，才能够获得国际媒体、买手和消费者更多关注。
不过，印度拥有一个值得注意的优势：它并不需要完全复制巴黎欧美的成功路径，才能建立自己的时尚地位。
在欧美奢侈品市场，消费者为一件衣服支付高价，往往同时为品牌历史、设计师声望、稀缺性和工艺买单。
问题在于，近年来奢侈品不断涨价，其真正的价值也开始受到质疑。
印度设计师恰好能够提供一种有竞争力的答案，他们可以直接展示复杂的刺绣、手工织物与珠饰工艺，让消费者看到一件作品背后投入的劳动和技艺。
更重要的是，印度时尚并不只有一种面貌。英国版《Vogue》在2026年对南亚设计师的报道中，特别提到了另一种正在发展的方向：
一些新一代设计师开始以更加克制、简洁的方式重新理解南亚审美。他们未必在每件衣服上直接使用传统图案，也可能通过廓形、面料、比例和穿着方式建立自己的语言。
这意味着印度时尚的国际化，并不一定要以不断展示民族特色为前提。
传统工艺可以成为设计资源，却不必成为每个设计师都必须背负的文化任务。
当印度设计师既能够创造华丽的高级定制，也能够设计适合日常生活的现代服装，他们才真正拥有了与其他国际品牌竞争的完整空间。